Sono un fotografo commerciale specializzato in fotografia food & beverage. Lavoro in questo settore da trentuno anni, ma ho avuto una macchina fotografica in mano da quando avevo otto anni. Mio padre era un artista, soprattutto ceramista e pittore, finché non si interessò alla fotografia quando ero molto piccolo. Costruimmo una camera oscura nel nostro seminterrato e iniziammo insieme il nostro viaggio fotografico.
Gran parte della nostra vita ruotava attorno alla fotografia e al processo creativo.
Nel corso degli anni ho potuto lavorare con grandi clienti perché mi sento spinto a comprendere la storia del brand e poi a capire come portarla al meglio alla luce. Di conseguenza, mi sono allontanato da altri generi fotografici e anche dal lavoro personale, perché voglio concentrarmi davvero sulle esigenze dei miei clienti.
Può sembrare strano che un fotografo non insegua lavori personali. Ma quando non ho una macchina fotografica in mano, cerco altri sbocchi creativi.
Ho avuto un’attività di design di mobili per diversi anni e ancora oggi sono motivato dal trascorrere del tempo nel mio laboratorio a creare qualcosa.
Il mio studio è diventato un tratto distintivo di ciò che sono come artista, perché costruisco continuamente cose e riorganizzo lo spazio per farlo sentire più simile a una casa. Trascorro molto tempo con mia moglie e le mie figlie e vado in acqua a remare il più spesso possibile. Tutto questo mantiene la mia mente fresca, così da tornare dietro la fotocamera e creare immagini ispirate per i miei clienti.
Almeno, questo è ciò che credo.
Le tecniche che ho utilizzato in questo video si applicano a tutto lo spettro dei soggetti fotografici.
Ho scelto intenzionalmente un soggetto lucido e leggermente esuberante, restando comunque nel mio ambito della fotografia food & beverage. Ma queste tecniche sono universali nella fotografia e, francamente, credo che dovrebbero essere utilizzate su una grande varietà di soggetti.
Questa è la cosa meravigliosa della fotografia: ciò che si impara in un genere può essere facilmente applicato a un altro.
La forma e la dimensione dei modificatori sono fondamentali nel mio modo di lavorare. Per questa dimostrazione sulla luce naturale, ho utilizzato una Rotalux Deep Octabox come luce principale e una Rotalux Square come riempimento.
La Deep Octabox ha la qualità direzionale di una sorgente di luce speculare simile al sole. Questo non solo mi fornisce una luce principale corretta, ma mi permette anche di costruire ombre che sembrano create dalla luce naturale.La Rotalux Square è piuttosto ampia e poco profonda, quindi proietta una luce molto larga, necessaria come fonte di riempimento.Scegliere la sorgente giusta per ogni luce sul set è assolutamente fondamentale per creare una luce convincente.
Vedo spesso fotografi emergenti usare una luce solo perché ce l’hanno a disposizione, senza pensare davvero alla sorgente o alla forma. È un errore. Potrei, per esempio, invertire queste sorgenti luminose e bilanciare correttamente il rapporto tra luci e ombre.Ma se la sorgente è sbagliata, l’immagine finale sembrerà semplicemente fuori posto.
Questo è uno dei miei setup di illuminazione preferiti per creare luce naturale, in particolare nella fotografia food.
Altri modificatori, come un beauty dish argentato, vengono spesso utilizzati sui miei set per cambiare la forma e la resa della luce. Devo osservare il soggetto, il tipo di atmosfera che voglio creare e poi scegliere il modificatore di conseguenza. Alcuni di questi cambiamenti sono molto sottili, ma per me e per il modo in cui costruisco la mia luce sono importanti.
Il colore ha avuto un ruolo enorme nel mio lavoro fin dall’inizio. La direzione che scelgo per il color grading dipende interamente da ciò che si trova davanti alla fotocamera. Tutto conta: dal tono della pelle del soggetto al guardaroba, dal trucco allo sfondo che scelgo.
Con il tempo ho sviluppato una manciata di profili colore fondamentali. Sono preset che funzionano molto bene come punto di partenza per provare velocemente look diversi e, una volta trovato quello giusto, svilupparlo ulteriormente.
Se qualcuno fosse interessato a questi preset di base, li vendo sul mio sito!
Anche se ci sono state molte occasioni in cui la luce naturale era così bella da renderle impossibile resistere, scelgo quasi sempre di fotografare con i flash.
Per i lavori dei clienti ho bisogno di coerenza e ripetibilità. La luce naturale cambia con le nuvole e con la durata del giorno man mano che cambiano le stagioni. Quando lavoro su un progetto cliente che si estende per più giorni, devo poter portare a termine tutta la shot list e non posso essere fermato dal sole che tramonta.
Molti dei miei progetti si sviluppano nel corso di mesi o anni, mentre continuiamo a costruire su una campagna pubblicitaria esistente, quindi la coerenza nella mia illuminazione è una componente critica del mio approccio. Per me, la sfida più grande della fotografia commerciale è creare immagini secondo una precisa tabella di marcia.
Riuniamo tutte queste persone per uno shooting e una quantità enorme di tempo viene investita nella pre-produzione. Ma quando arriva il giorno dello shooting, tutti devono lavorare in sintonia per assicurarsi che il lavoro venga completato e che ognuno possa tornare a casa dalla propria famiglia.
Quando ho iniziato in questo settore, non avrei mai pensato che l’orologio avrebbe avuto un ruolo così importante in una produzione. E invece sì, perché, come dice il vecchio detto, “il tempo è denaro”, quindi i progetti devono essere efficienti e puntuali. Tutte quelle notti trascorse in studio all’inizio della mia carriera mi hanno dato la fiducia per produrre arte entro una scadenza. È stata una sfida che non avevo mai previsto.
Ciò che mi piace di più della fotografia è risolvere le sfide che i miei clienti mi lanciano. Anche dopo tre decenni di lavoro, continuo ad apprezzare il fatto di capire come soddisfare le esigenze del cliente e creare le immagini che desidera per il suo brand. Il processo di creare immagini continua a nutrire la mia anima e mi fa desiderare di entrare ogni giorno in studio.
Rob Grimm è regista commerciale, fotografo e formatore, specializzato in fotografia food & beverage, in particolare vetro e liquidi. Il suo stile audace ha attirato brand rinomati come Jack Daniel's, Bacardi, Kraft e Panera. Con una vasta esperienza nella gestione di studi a Chicago e St. Louis, Rob porta con sé una prospettiva imprenditoriale unica. Nel 2014 ha co-fondato PRO EDU, una società educativa che produce tutorial per tutti i generi fotografici. Mentre guidava una comunità di fotografi d’élite in tutto il mondo, condivideva i segreti del mestiere attraverso corsi online. Tuttavia, all’inizio del 2020, Rob è tornato alla sua passione per la creazione di immagini per i clienti, ritrovando ancora una volta la gioia dietro la fotocamera.