Je suis photographe commercial spécialisé dans la photographie culinaire et de boissons. Je travaille dans ce domaine depuis trente et un ans, mais j’ai un appareil photo dans les mains depuis l’âge de huit ans. Mon père était artiste, principalement céramiste et peintre, jusqu’à ce qu’il s’intéresse à la photographie alors que j’étais très jeune. Nous avons construit un laboratoire photo dans notre sous-sol et commencé ensemble notre aventure photographique.
Une grande partie de notre vie tournait autour de la photographie et du processus créatif.
Au fil des années, j’ai pu travailler avec de grands clients parce que je me sens poussé à comprendre l’histoire de leur marque, puis à trouver la meilleure façon de la mettre en lumière. En conséquence, je me suis éloigné d’autres types de photographie et même du travail personnel, parce que je veux vraiment me concentrer sur les besoins de mes clients.
Cela peut sembler étrange qu’un photographe ne poursuive pas de travail personnel. Mais lorsque je n’ai pas un appareil photo en main, je poursuis d’autres formes d’expression créative.
J’ai dirigé une entreprise de design de mobilier pendant plusieurs années, et je suis encore aujourd’hui animé par le fait de passer du temps dans mon atelier à créer quelque chose.
Mon studio est devenu une signature de ce que je suis en tant qu’artiste, car je construis constamment des choses et je réorganise l’espace pour le rendre plus chaleureux, presque comme une maison. Je passe beaucoup de temps avec ma femme et mes filles, et je vais sur l’eau ramer aussi souvent que possible. Tout cela garde mon esprit frais pour revenir derrière l’appareil et créer des images inspirées pour mes clients.
Du moins, c’est ce que je crois.
Les techniques que j’ai utilisées dans cette vidéo s’appliquent à l’ensemble des sujets photographiques.
J’ai volontairement choisi ici un sujet brillant, légèrement extravagant, tout en restant dans mon domaine de la photographie culinaire et de boissons. Mais ces techniques sont universelles en photographie et, franchement, je pense qu’elles devraient être utilisées sur une grande variété de sujets.
C’est ce qu’il y a de merveilleux dans la photographie : ce que l’on apprend dans un genre peut facilement être appliqué à un autre.
La forme et la taille des modificateurs sont essentielles dans ma manière de travailler. Pour cette démonstration sur la lumière naturelle, j’ai utilisé une Rotalux Deep Octabox pour ma lumière principale et une Rotalux Square pour le remplissage.
La Deep Octabox possède la qualité directionnelle d’une source de lumière spéculaire semblable au soleil. Cela me donne non seulement une lumière principale adaptée, mais me permet aussi de modeler des ombres qui donnent l’impression d’avoir été créées par une lumière naturelle.La Rotalux Square est assez large et peu profonde, elle projette donc un faisceau large, ce qui est nécessaire pour une source de remplissage.Choisir la bonne source pour chaque lumière sur un plateau est absolument essentiel pour créer une lumière crédible.
Je vois souvent de jeunes photographes utiliser une lumière simplement parce qu’ils l’ont sous la main, sans vraiment réfléchir à la source ou à sa forme. C’est une erreur. Je pourrais, par exemple, inverser ces sources de lumière et équilibrer les rapports entre hautes lumières et ombres pour qu’ils soient corrects.Mais si la source est mauvaise, l’image finale paraîtra tout simplement étrange.
C’est l’un de mes setups d’éclairage favoris pour recréer une lumière naturelle, en particulier en photographie culinaire.
D’autres modificateurs, comme un beauty dish argenté, sont souvent utilisés sur mes plateaux pour modifier la forme et la projection de ma lumière. Je dois observer le sujet, l’ambiance que je veux créer, puis choisir mon modificateur en conséquence. Certains de ces changements sont très subtils, mais ils sont importants pour moi et pour la façon dont je façonne ma lumière.
La couleur a joué un rôle immense dans mon travail depuis le début. La direction que je choisis pour un étalonnage colorimétrique dépend entièrement de ce qui se trouve devant l’appareil. Tout entre en jeu : le teint du sujet, la garde-robe, le maquillage, mais aussi le fond que je choisis.
Avec le temps, j’ai développé une poignée de profils colorimétriques de base. Ce sont des presets qui permettent de tester rapidement différents rendus, puis, une fois le bon trouvé, de construire à partir de celui-ci.
Si certains sont intéressés par ces presets de base, je les vends sur mon site !
Même s’il y a eu de nombreuses occasions où la lumière naturelle était tellement belle que je n’ai pas pu y résister, je choisis presque toujours de travailler avec des flashes.
Pour les travaux clients, j’ai besoin de constance et de répétabilité. La lumière naturelle varie avec les nuages et la durée du jour au fil des saisons. Lorsque je travaille sur un projet client sur plusieurs jours, je dois pouvoir réaliser toute la shot list, et je ne peux pas être stoppé par le soleil qui se couche.
Beaucoup de mes projets s’étendent sur plusieurs mois, voire plusieurs années, à mesure que nous développons une campagne publicitaire existante. La cohérence de ma lumière est donc un élément essentiel de mon approche. Pour moi, le plus grand défi en photographie commerciale est de créer des images dans un cadre temporel précis.
Nous réunissons toutes ces personnes pour un shooting, et énormément de temps est consacré à la préproduction. Mais lorsque le jour du shooting arrive, tout le monde doit travailler en parfaite synchronisation pour s’assurer que le travail soit terminé et que chacun puisse rentrer chez lui auprès de sa famille.
Quand j’ai débuté dans ce métier, je n’aurais jamais imaginé que l’horloge jouerait un rôle aussi important dans une production. Mais c’est le cas, car comme le dit le vieil adage, « le temps, c’est de l’argent », donc les projets doivent être efficaces et tenus dans les délais. Toutes ces longues nuits passées dans mon studio au début de ma carrière m’ont donné la confiance nécessaire pour produire de l’art selon un calendrier. C’était un défi auquel je ne m’attendais pas.
Ce que j’aime le plus dans la photographie, c’est résoudre les défis que mes clients me lancent. Même après trois décennies de métier, j’aime toujours chercher comment répondre aux besoins du client et créer les images qu’il souhaite pour sa marque. Le processus de création d’images continue de nourrir mon âme et me donne envie d’entrer dans le studio chaque jour.
Rob Grimm est réalisateur commercial, photographe et formateur, spécialisé dans la photographie culinaire et de boissons, en particulier le verre et les liquides. Son style audacieux a attiré des marques renommées comme Jack Daniel's, Bacardi, Kraft et Panera. Fort d’une vaste expérience à la tête de studios à Chicago et à St. Louis, Rob apporte une perspective business unique. En 2014, il a cofondé PRO EDU, une entreprise de formation produisant des tutoriels pour tous les genres photographiques. Tout en animant une communauté de photographes d’élite dans le monde entier, il partageait les secrets du métier à travers des cours en ligne. Cependant, début 2020, Rob est revenu à sa passion : créer des images pour ses clients, et il a retrouvé la joie d’être à nouveau derrière l’appareil.