Créer des portraits sombres et cinématographiques est quelque chose que la photographe Elisha Knight maîtrise parfaitement.
Dans ce tutoriel vidéo, Elisha détaille son approche avec des configurations d’éclairage faciles à reproduire et des processus de color grading accessibles. Avec quelques conseils et astuces utiles à garder en tête, cela vous aidera sans aucun doute à apporter une touche de cinéma classique à votre prochaine séance de portrait.
Un portrait cinématographique peut prendre n’importe quelle forme.
Pour moi, tout repose sur le fait de raconter une histoire à travers le sujet, en utilisant avec intention la lumière, la couleur et la composition. Je suis attirée par les images plus sombres et plus dramatiques, ce que l’on qualifie souvent de cinématographique.
J’ai récemment commencé à mélanger les températures de couleur pour imiter la lumière naturelle. La lumière naturelle n’est jamais d’une seule couleur. Si l’on pense à la lumière venant d’une fenêtre, on a des tons plus chauds provenant du soleil, et des tons plus froids venant du ciel, de l’herbe ou du béton. C’est encore quelque chose avec lequel j’expérimente, mais le mélange des températures de couleur apporte une belle dimension supplémentaire à la lumière.
Je m’étais un peu lassée de la configuration classique à une seule lumière que j’utilisais, et j’ai voulu expérimenter différentes façons de faire évoluer ce setup simple. J’ai simplement continué à tester différentes choses avec le modeleur, comme retirer légèrement la diffusion pour obtenir plusieurs qualités de lumière différentes à partir d’une seule source.
J’ai aussi commencé à utiliser des éléments comme du papier de soie, des verres à vin ou un sac plastique devant l’objectif pour obtenir des effets de flou ou de halo intéressants directement à la prise de vue.
Cela a été une manière très agréable de redonner un nouvel élan à mon travail.
Les techniques que j’utilise en studio peuvent aussi être utilisées en extérieur. Souvent, j’arrive sur un shooting et j’essaie de reproduire puis de renforcer la lumière présente dans la pièce où je me trouve, que je travaille devant un fond ou non. Il en va de même en extérieur sous le soleil. En général, je bloque le soleil sur le sujet en utilisant la lumière et le modeleur que j’emploie comme source principale, puis je règle l’intensité pour qu’elle reste naturelle.
Annie Leibovitz est une immense source d’inspiration. Son éclairage est iconique tout en restant subtil. C’est quelque chose que l’on apprécie davantage à mesure que l’on gagne en expérience. J’aime la manière dont elle parvient à capturer des expressions si authentiques dans des portraits pourtant très stylisés.
Mon style personnel s’est développé sur une longue période. Des schémas commencent à apparaître à mesure que l’on suit de plus en plus son instinct.
La couleur joue un rôle immense dans mon travail depuis le tout début. La direction que je choisis pour un étalonnage dépend entièrement de ce qui se trouve devant l’appareil. Tout entre en jeu : la carnation du sujet, la garde-robe, le maquillage, mais aussi le fond que je choisis.
Avec le temps, j’ai développé une poignée de profils colorimétriques de base. Ce sont des presets qui fonctionnent très bien pour essayer rapidement différents rendus, puis, une fois le bon trouvé, construire à partir de là.
Si cela intéresse quelqu’un, je vends ces presets de base sur mon site.
Pour celles et ceux qui commencent tout juste leur parcours avec l’éclairage studio, restez simples. Commencez par apprendre à maîtriser une seule lumière, puis expérimentez à partir de là.
La lumière doit rester un plaisir, alors amusez-vous.