Felix Kunze n’a plus besoin d’être présenté ; ce photographe né en Allemagne, élevé en Angleterre et installé à New York est une véritable référence de la lumière. Ses cours de photographie, par leur simplicité et leur clarté dans la compréhension de la lumière, ont bouleversé l’industrie. Aujourd’hui, nous prenons le temps d’échanger avec lui sur l’industrie, sur les leçons qu’il a apprises et sur les conseils précieux qu’il peut transmettre pour progresser en tant que photographe, quel que soit son niveau.
En tant que photographe de portrait, j’essaie de me concentrer sur la force, l’énergie, l’ambition et la ténacité de mes sujets. Inconsciemment, je suis attiré par le fait de faire ressortir ces qualités dans mon travail. Je ne pense pas que l’on puisse prédéterminer son style ; il se construit à mesure que l’on photographie.
Chaque décision que vous prenez reflète ce que vous aimez et ce que vous n’aimez pas. Votre style est le résultat de milliers et de milliers de décisions et de photographies.
Felix nous rappelle que nous commençons tous quelque part et que nous devons avancer vers les opportunités économiques qui se présentent à nous. Il insiste aussi sur un autre point : toujours rester attentif à une manière de laisser une empreinte créative personnelle dans tout ce que l’on photographie.Au début, ce que je photographiais couvrait un spectre très large : musique, éditorial, fashion weeks et événements. Mais j’ai réalisé que ce qui me permettait de gagner le plus d’argent, c’était les portraits bien éclairés de personnes intéressantes.
Économiquement, c’était ce qui avait le plus de sens, mais cela avait aussi du sens sur le plan créatif, parce que j’aimais vraiment cela. Je ne suis pas quelqu’un de naturellement compétitif, alors je voulais faire quelque chose qui me permette de me démarquer des autres photographes sans avoir à rabaisser qui que ce soit.
Nous avons demandé à Felix de repenser à ses débuts en photographie et de nous parler de ses premières séances qui ont changé sa trajectoire photographique.Ma mère m’a en fait obtenu un accès backstage à un concert de Juliet Lewis, mais j’étais terrifié. Juliet débordait d’énergie et était très directe, et c’était la première fois que je devais utiliser de la lumière artificielle ; j’ai donc simplement dirigé mon flash vers le plafond rouge du KoKo à Londres en espérant le meilleur.
Peu de temps après, j’ai obtenu un contrat de contributeur avec Getty Images grâce au photographe Thorsten Overgaard. J’ai commencé à photographier beaucoup de concerts, et c’est précisément ce qui m’a fait comprendre que je ne voulais pas photographier la musique pour gagner ma vie.
Peu de temps après, j’ai obtenu un contrat de contributeur avec Getty Images grâce au photographe Thorsten Overgaard. J’ai commencé à photographier beaucoup de concerts, et c’est précisément ce qui m’a fait comprendre que je ne voulais pas photographier la musique pour gagner ma vie.Dans la fosse presse, on réalise que les chances sont contre soi si l’on veut faire quelque chose d’unique, et l’on comprend aussi que les chances de bien gagner sa vie ainsi sont minimes.
Je commençais à recevoir davantage de commandes par Getty et j’ai poussé mon éditeur à me permettre de faire plus de portraits. J’ai fini par obtenir des missions de reportage et, en parallèle, j’ai pu réaliser des portraits. Cela m’a finalement amené à photographier des clients comme l’architecte Zaha Hadid, Swarovski et Adidas, entre autres.
J’ai toujours été attiré par le portrait et ma personnalité se prêtait très bien à ce type d’images. J’assistais aussi des photographes en parallèle, et cela a joué un rôle énorme dans mon apprentissage de l’industrie photo et de la lumière. Entre le fait de photographier, d’assister, d’apprendre la lumière et de construire des relations avec d’autres photographes du secteur, c’est là que j’ai le plus progressé.
Après avoir vécu quelque temps en Angleterre, j’ai su que New York serait ma prochaine étape, et j’y suis toujours huit ans plus tard.
Une fois arrivé à New York, je me suis concentré sur la recherche d’un moyen de me démarquer tout en ajoutant davantage de valeur de production à mes shootings.Pour moi, cela, ce n’est pas de la créativité ; la créativité, c’est la manière dont on choisit ses sujets, dont on les représente et dont on résout les problèmes qui surgissent pendant une prise de vue. La créativité est dans la résolution de problèmes, pas dans la pré-planification.
Je pense que ma réussite à bien éclairer dans de petits espaces vient du fait que je vivais et photographiais dans mon premier appartement une chambre à New York ; il avait des plafonds bas et tout ce qui va avec — et j’en suis devenu un meilleur photographe.
J’ai appris alors à toujours faire paraître un shooting comme s’il avait un budget plus élevé qu’en réalité. Comment voulez-vous obtenir des budgets plus importants de vos clients si vous ne pouvez pas leur montrer ce que vous êtes capable de faire ?Les clients n’ont généralement pas tendance à vous engager pour un travail que vous n’avez jamais fait auparavant.
Ce que l’ELB 500 m’a permis de faire, c’est de partir en shooting dans des lieux lointains tout en conservant cette même valeur de production partout où je vais. J’ai emporté ma Rotalux Deep Octa 100 cm en Mongolie, en Égypte, en Afrique du Sud, au Canada, en Europe, en Islande, en Écosse, en Inde, et je prévois de l’emmener encore dans de nombreux autres pays à l’avenir.
Elle a été révolutionnaire pour mon travail.
Je pense aussi qu’il est important de se rappeler que, même si vous voulez donner plus de valeur de production à vos shootings, vous n’avez pas besoin de tomber dans le piège qui consiste à croire qu’il vous faut une quantité absurde de lumières dans vos configurations studio. Vous trouverez des gens avec tellement de règles, comme le fait qu’il faudrait utiliser plusieurs lumières et tout comprendre dans le moindre détail pour créer de belles images, mais cela n’a pas d’importance.Ce qui compte, c’est d’essayer, de photographier souvent et de commencer simplement. Mon ambition en matière de lumière a toujours été de créer une lumière simple et naturelle.
C’est ce que j’ai essayé de transmettre dans ma manière d’enseigner.
On peut créer des images vraiment remarquables avec une seule lumière, et surtout avec deux.
Je recommande toujours le même ELB 500 pour tout, parce qu’il est polyvalent en studio comme en extérieur, et qu’il facilite l’imitation ou le renforcement de la lumière naturelle.
Avec le temps, j’ai compris que j’avais une manière unique de regarder la lumière ; j’ai donc créé The Lighting Series avec Sue Bryce puis plus tard The Location Series, parce que les gens étaient intéressés. Nous comptons aujourd’hui près de 13 000 étudiants dans The Lighting Series, et ma communauté Facebook, « Lighting with Felix Kunze », vient de dépasser les 28 500 membres. Ces dernières années, cela a été une immense joie d’avoir le sentiment que nous contribuons à améliorer la photographie dans son ensemble.
The Lighting Series est devenu l’un des cours de photographie les mieux notés, mais plus important encore, j’entends constamment des histoires de personnes ayant suivi la formation et atteint l’objectif : faire en sorte que la lumière de studio ressemble à de la lumière naturelle.
C’est un vrai plaisir de pouvoir enseigner aux autres la manière dont je perçois la lumière.
La photographie est spéciale pour moi parce qu’elle offre une opportunité unique d’accéder à une grande variété de domaines, de métiers et de spécialisations dans lesquels je ne me serais autrement jamais impliqué. Par exemple, grâce à mon travail avec l’Explorers Club, j’ai pu passer une semaine avec les meilleurs égyptologues de la planète sur le terrain. J’ai aussi passé trois semaines dans l’ouest de la Mongolie à étudier la géologie en photographiant des géologues. Grâce à l’accès que j’ai obtenu, je peux passer d’une industrie à l’autre et apprendre de petites choses sur le monde. J’adore l’ouverture que cela m’apporte comme être humain et comme photographe. Je ne vois pas d’autre secteur qui offre un tel privilège.
Quand on débute, on pense que son plus grand défi sera la lumière, les appareils photo ou même la direction des poses, mais tout cela finit par se surmonter. Vous pouvez suivre The Lighting Series, apprendre le posing et acheter le meilleur matériel.
Mais votre véritable combat à long terme sera d’accéder aux bons sujets : obtenir l’entrée dans un domaine ou auprès d’un sujet qui vous intéresse ou vous inspire. Pour moi, l’accent a été mis sur le fait de photographier celles et ceux qui sont à l’avant-garde du progrès humain, de l’exploration et de la compréhension du monde par la science.
Je pense donc que l’accès est le plus grand défi pour les photographes. Vous savez que vous êtes devenu un photographe accompli lorsque votre attention se déplace des défis techniques vers le défi de choisir vos sujets.
Pour les photographes qui débutent, il est important de se rappeler que toutes les ressources existent aujourd’hui pour devenir très compétent très rapidement — ce n’était pas le cas quand j’ai commencé. Si vous voulez apprendre la lumière, The Lighting Series vous y conduira, vous pouvez compter sur le matériel Elinchrom et acheter certains des meilleurs appareils jamais conçus. Malgré cela, l’accès à de bons sujets restera votre combat de toute une vie.
Alors concentrez-vous là-dessus.
Ce qui se trouve devant votre appareil photo est plus important que l’appareil, les lumières ou les réglages.L’appareil ne fait que s’interposer. Souvenez-vous-en.
Ou, comme l’un de mes mentors me disait souvent : « Vivez une belle vie et photographiez les gens qui en font partie. »